Mit einem internationalen Einspielergebnis von über 700 Millionen US-Dollar weltweit und 354 Millionen US-Dollar im Inland zählt Patty Jenkins 'Wonder Woman leicht zu den kommerziell erfolgreichsten Filmen, die jemals von einer Frau gedreht oder mitregiert wurden.
Es hat auch ein überwältigendes kritisches Lob auf ganzer Linie erhalten, mit einer erstaunlichen Bewertung von 92% für faule Tomaten, die es offiziell als "frisch" zertifiziert.
Während ein Teil des Lobes übertrieben sein mag, lässt sich der bemerkenswerte Erfolg des Films sowohl als Unterhaltungsarbeit als auch als kultureller Sammelpunkt für die Förderung von Frauen im Filmemachen nicht leugnen.
In diesem Artikel werden wir auf die Filmgeschichte zurückblicken und uns an die wichtige Rolle erinnern, die Regisseurinnen dabei gespielt haben. Von der Pionierarbeit von Alice Guy-Blaché Kathryn Bigelow Krönung bei der 82 nd Oscar - Verleihung, haben die Frauen schon immer an der Spitze der filmischen Arbeit.
Um sie zu feiern, finden Sie hier eine Liste der 16 besten Filme aller Zeiten, die von Frauen gedreht wurden.
16 The Babadook (2014 - Regie Jennifer Kent)
Fast jeder große Horrorfilm hat eine Unterströmung von unterdrückten Schmerzen, deren Ausdruck die Dämonen, Geister, Monster und Mörder sind. Aus dieser bekannten Binsenweisheit hat Jennifer Kent den ergreifendsten Film über Trauer und Depression seit Lars Von Triers Melancholie und eine der wahrsten Darstellungen der Elternschaft extrahiert, die jemals gedreht wurden.
Anstatt seine Metapher als Hauptargument der Geschichte zu verwenden, baut The Babadook sie auf einer Grundlage unangenehm realistischer Szenen von Mutter-Sohn-Konflikten auf, aus denen das Titelmonster als logischer Höhepunkt hervorgeht und den Film nahtlos in das Reich der expressionistischen Fantasie überführt.
Es sind Essie Davis und Noah Wisemans Duell-Performances, die den Film mit Energie versorgen und ihm seine schreckliche Kraft verleihen. In den letzten Jahren ist The Babadook auch ein Symbol für die LGBTQ-Community geworden.
15 Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Brüssel (1975 - Regie Chantal Akerman)
Stellen Sie sich Folgendes vor: Ein dreistündiger Film, der dem Tagesablauf einer alleinerziehenden Mutter folgt, wenn sie aufsteht, ein Bad nimmt, ihren Sohn für die Schule fertig macht, ihre Wohnung putzt, Lebensmittel kauft, das Abendessen vorbereitet und sich selbst prostituiert (meistens außerhalb des Bildschirms) die Rechnungen bezahlen. Jeanne Dielman spielt alles in langen Einzelaufnahmen, in denen kein Detail ihrer Handlungen verschont bleibt, mit spärlichem Dialog und ohne Voice-Over-Erzählung, um ihre Gedanken zu formulieren.
Wenn dies wie ein Ausdauertest klingt, liegt das bis zu einem gewissen Grad daran. Indem Chantal Akerman jede Minute und jede Schweigeminute mit uns teilt, testet sie unsere Geduld und Empathie, um die Bedeutung dieser Aufgaben für ihre Protagonistin und den Tribut, den sie langsam für sie bedeutet, besser zu offenbaren.
Jeanne Dielman ist ein Meisterwerk des sozialen Horrors, dessen langsam brennende Kraft bis heute beispiellos ist. Verankert in einer unauffällig verheerenden Tour de Force-Lead-Performance von Delphine Seyrig.
14 14. Ahnungslos (1995 - Regie Amy Heckerling)
Es ist dieses entscheidende Detail, das gute Teenie-Filme von schlechten trennt, und Clueless wirft es aus dem Park. Es ist aufmerksam, lustig und viel schlauer als es zunächst klingt - eine perfekte Ergänzung für seinen Protagonisten.
13 Der Prinz von Ägypten (1998 - Regie Brenda Chapman & Simon Wells)
Der Prinz von Ägypten ist eine Art Anomalie in DreamWorks 'fast zwei Jahrzehnte alter Filmografie: Meilen entfernt von der Hüfte der coolen Kinder, die jetzt den größten Teil ihrer Post-Shrek-Ausgabe ausmacht.
Diese animierte Version der Geschichte von Moses und seiner Befreiung der Hebräer aus der ägyptischen Sklaverei ist majestätisch, ehrfürchtig und ernst in einer Weise, die selbst aktuellen Disney-Produktionen fehlt. Der Film von Brenda Chapman und Simon Wells verwendet die brüderliche Beziehung von Moses und Pharao Rameses II als zentralen Konfliktpunkt und thematisiert Glauben, Loyalität und Liebe mit kinderfreundlicher Offenheit, die ihm - trotz seiner unternehmerischen Herkunft - ein viel persönlicheres Gefühl verleiht als die biblischen Epen der alten Zeit.
Eine Sache, die es jedoch mit klassischen biblischen Epen gemeinsam hat, ist eine mit Stars besetzte Besetzung, die sich mit Leuten wie Val Kilmer als Moses, Sandra Bullock als Miriam, Jeff Goldblum als Aaron und - am besten von allem - Ralph Fiennes als Rameses rühmt.
Die voll verwirklichte Menschlichkeit der Charaktere stellt ihre Kämpfe mit Gott, Macht und Schicksal auf eine vertraute Ebene und vergrößert sie auf eine Weise, die uns demütigt. Wer hätte gedacht, dass ein Kinderanimationsfilm eine der tiefgreifendsten religiösen Anpassungen ist, die jemals vorgenommen wurden?
12 Tomboy (2011 - Regie Céline Sciamma)
Diese sanfte Geschichte wurde im April 2011 veröffentlicht und an der französischen Abendkasse kritisch gelobt. Sie handelt von einem androgynen 10-jährigen Mädchen, das sich als Junge verkleidet, um in ihre neue Nachbarschaft zu passen, und sich gegenseitig in ein Mädchen aus der Region verknallt.
Es erlangte 2013 unerwartete Bekanntheit, nachdem sich konservative Elterngruppen darüber beschwert hatten, dass es Grundschülern im Rahmen einer von der Regierung unterstützten Filmstudieninitiative gezeigt wurde. Im Zusammenhang mit der jüngsten Legalisierung der gleichgeschlechtlichen Ehe in den USA und der damit verbundenen hitzigen landesweiten Debatte wurde die Idee, dass Schulkinder jemanden in ihrem Alter beobachten, der ihre sexuelle Identität auf dem Bildschirm erforscht, von den Gegnern als provokativer Angriff auf ihre Unschuld angesehen.
Ironischerweise ist Unschuld eine der wichtigsten Eigenschaften des Films. Wie eine unsichtbare Freundin lädt uns Sciammas Kamera in die Welt ihrer Protagonistin ein, ohne sie zu einem Objekt soziologischer Studien oder Ausbeutung zu machen. Dieser intelligente Takt macht Tomboy zu einem der besten Filme, die jemals über den performativen Charakter von Geschlechterrollen und die verschwommenen Grenzen zwischen den Geschlechtern gedreht wurden, die sie verbergen.
11 Das Klavier (1993 - Regie Jane Campion)
Mit einer Palme d'Or auf dem Cannes Film Festival, drei Oscars aus acht Nominierungen an den 66 th Oscar - Verleihung, und Millionen $ 140 auf dem internationalen Box-Office gegen ein Budget $ 7.000.000, ist das Klavier sicherlich einer der erfolgreichsten Filme jemals von einer Regisseurin gemacht.
In 19 th Jahrhundert Neuseeland betrifft sie die Erfahrung einer jungen in der Ehe verkaufte stumme Frau zu einem reichen Grenzer, und sie kämpfen für die Unabhängigkeit und Selbstdarstellung. Dies wird durch den sexuellen Vertrag angezeigt, den sie mit einem pensionierten weißen Seemann als Gegenleistung für das einzige Ausdrucksmittel schließt, das sie wirklich hat: ihr wertvolles Klavier.
Jane Campion vermittelt die Gefühle ihres Charakters in Bezug auf Vertreibung, Depression und Hoffnung mit einer berauschenden Sinnlichkeit, die an die große romantische Poesie der Zeit erinnert. Liebe, Schmerz, Grausamkeit und Leidenschaft folgen einander in einem berauschenden Tanz, der in einem wundersamen Finale gipfelt, das Sie sowohl taumelnd als auch begeistert zurücklässt.
10 schnelle Zeiten in Ridgemont High (1982 - Regie Amy Heckerling)
Bevor sie die amerikanische High-School-Komödie mit Clueless wiederbelebte, war Amy Heckerling 1982 mit Fast Times At Ridgemont High Pionierin. Der Film schafft es, ein ganzes Jahr voller Eskapaden, Werbung und Regelverstöße auf eine flotte Laufzeit von 90 Minuten zu komprimieren.
Es folgt einem vielfältigen Netzwerk von Schülern, das von Jennifer Jason Leighs jungfräulicher Jungfrau Stacy bis zu Sean Penn's Stoner Jeff Spicoli reicht, während sie durch die generationsbezogenen, sozialen und sexuellen Hierarchien ihrer Schule navigieren.
Wie eine Brücke zwischen amerikanischem Graffiti und Dazed And Confused ist Fast Times At Ridgemont High eine Ensemble-Teenie-Komödie, deren Lachen uns ebenso informieren wie unterhalten. Heckerlings scharfsinnige Regie und die perfekte Auswahl an Songs, gepaart mit einem tadellos ausgewogenen Drehbuch mit freundlicher Genehmigung eines jungen Cameron Crowe, zeigen ein einfühlsames Verständnis der jugendlichen Psyche, mit der nur wenige Filmemacher zuvor oder seitdem konkurriert haben.
9 Die Selbstmorde der Jungfrau (2000 - Regie Sofia Coppola)
"Offensichtlich Doktor, Sie waren noch nie ein 13-jähriges Mädchen."
So spricht Cecilia Lissabon, die jüngste einer Schwesternschaft von fünf Mädchen aus einer konservativen katholischen Familie der oberen Mittelklasse im Michigan der 1970er Jahre, mit der unglücklichen Psychiaterin, die versucht, ihren Selbstmordversuch zu verstehen. Ihre Worte - kalt, direkt und durchdringend - fassen die Gesamtheit von Sofia Coppolas erstem Spielfilm zusammen, in dem eine Gruppe von Teenagern machtlos Zeugnis von der mysteriösen Auflösung der Mädchen gibt.
Coppolas Fokus auf die existenzielle Langeweile privilegierter Frauen und Mädchen hat viel Kritik hervorgerufen, aber ihr Verständnis der jugendlichen Psyche beseitigt hier alle Klassengrenzen. Dies wird durch stechend genaue Auftritte von Kirsten Dunst, Kathleen Turner und James Woods unterstützt. Abwechselnd freudig, bittersüß und ahnungsvoll glänzt The Virgin Suicides mit dem gesteigerten Realismus von Erinnerungen, die schließlich mit unseren Träumen verschmelzen.
8 Persepolis (2007 - Regie Marjane Satrapi & Vincent Paronnaud)
Comic-Adaptionen werden nicht viel besser als Marjane Satrapi und Vincent Paronnauds Oscar-nominierte animierte Adaption des autobiografischen Graphic Novels des ersteren über das Aufwachsen im Iran der Revolutionszeit und die damit verbundenen zerstörten Hoffnungen, die hyperpatriarchale Tyrannei und die rebellische Emanzipation es. Mit einem scharfen Animationsstil, der Schwarz, Weiß und Grau zu einem lebendigen Effekt kontrastiert, springt Persepolis dem Betrachter entgegen wie ein Pop-out-Buch, das zum Leben erweckt wird.
Dieser Stil fungiert als illustrierte Erinnerung an das jugendliche Gedächtnis, das alle damit verbundenen Emotionen mit einem Hauch von trockener Klarheit bei Erwachsenen vermittelt. Mit einem tadellos ausgewogenen Cocktail aus selbstironischem Humor und bittersüßer Melancholie finden Kindheitsphantasie und politische Angst vor Jugendlichen eine gemeinsame visuelle Manifestation, die die moderne Geschichte des Landes gleichzeitig komplexisiert und entmystifiziert.
7 Orlando (1992 - Regie Sally Potter)
Tilda Swintons Androgynie wurde nie besser genutzt als in dieser exquisiten Adaption von Virginia Woolfs bahnbrechendem Roman von 1992. Es folgt ein elisabethanischer Adliger, dessen Geschlecht sich auf mysteriöse Weise von männlich zu weiblich ändert und der anschließend jahrhundertelangen Sexismus, Herzschmerz und Liebe erlebt, während er die ewige Jugend bewahrt.
In den Händen von Sally Potter wird diese Reflexion über Geschlecht, Geschlecht, Macht und Sterblichkeit zu einem kontemplativen Märchen, das sein Publikum an einen Ort schwebenden zeitlichen Fluges versetzt, an dem die einzigen Leitregeln die Gedanken und Gefühle seiner Hauptfigur sind.
Auf diese Weise kann der Film wie ein geduldiger Besucher in einem Museum über verschiedene Zeiträume gleiten. Orlando fließt wie ein ruhiger Fluss, der sich seiner Richtung sicher ist, Ihnen aber bis zu seiner perfekten endgültigen Aufnahme keine vollständige Vision seines endgültigen Ziels gibt.
6 Lieder, die meine Brüder mir beigebracht haben (2015 - Regie Chloé Zhao)
Der jüngste Eintrag auf dieser Liste ist ein amerikanischer Independent-Film, der nur in französischen und New Yorker Theatern veröffentlicht wird. Songs, die meine Brüder mir beigebracht haben, befinden sich im Lakota-Reservat von Pine Ridge, South Dakota, und folgen der 11-jährigen Jashaun und ihrem jugendlichen Bruder Johnny in ihrem täglichen Leben, während der unerwartete Tod ihres leiblichen Vaters sie über ihre Zukunft und ihren Platz in einem Land nachdenken lässt Gemeinschaft kämpft ums Überleben.
Die erstmalige Regisseurin Chloé Zhao malt die Hoffnungen, Träume und Ängste ihres Charakters mit einem zart impressionistischen Pinsel, der emotionale Klischees mit einer Reife vermeidet, die erfahrene Filmemacher selten erreichen.
Sie fordert weder Mitleid noch Sympathie von ihrem Publikum, sondern macht durch subtile Bearbeitung, halbimprovisierte Performances und eine Kamera, die es schafft, sowohl allgegenwärtig als auch unauffällig zu sein, auf das zutiefst menschliche Bedürfnis ihrer Charaktere aufmerksam, sich zu verbinden und dazuzugehören. Ruhig, zurückhaltend und respektvoll mitfühlend, erweckt Zhaos Film das soziale Bewusstsein des Betrachters mit einer leise evokativen Kraft.
5 American Psycho (2000 - Regie Mary Harron)
Mary Harrons Adaption von Bret Easton Ellis 'angeblich nicht filmbarem satirischem Horror-Roman über einen verrückten, frauenfeindlichen Wall Street-Yuppie - der vielleicht ein Serienmörder ist oder nicht - hat das Bewusstsein der Bevölkerung so gründlich durchdrungen, dass man leicht vergisst, wie kontrovers es war Freisetzung. Zusätzlich zu feministischen Einwänden gegen den Inhalt des Ausgangsmaterials wurde es von vielen Filmkritikern als einfach, zahnlos und äußerst flach abgetan.
Obwohl diese Kritik verständlich ist, vermissen sie die kluge Subversivität von Harrons verführerischem Stil und Christian Bales selbstbewusst breiter Leistung. Ihre Komödie ist weniger denunzierend als neugierig; Mit Thriller-Kinematografie und übertriebenen Darbietungen kapitalistischer Männlichkeit wendet sie den schlanken Reiz der Kunstfertigkeit gegen sich selbst, um die Leere dahinter besser freizulegen.
4 Angemessenes Verhalten (2015 - Regie Desiree Akhavan)
Desiree Akhavans abendfüllendes Debüt als Schauspielerin, Autorin und Regisseurin wurde 2015 in die Kinos gebracht, nachdem sie ein Jahr lang auf Filmfestivals auf der ganzen Welt projiziert worden war. Sie signalisiert die Entstehung eines außergewöhnlich scharfen und belebenden neuen Talents.
In einer Zeit, in der Indie-Komödien, die sich auf die Liebe und das Sexualleben neurotischer New Yorker der Mittelklasse konzentrieren, fast so durchgespielt sind wie explosionsgefüllte Action-Blockbuster, ist das, was Appropriate Behaviour leistet, geradezu wunderbar.
Mit punktgenauer Präzision und verheerend genauem Comic-Timing greift Akhavan lose auf ihre eigenen Erfahrungen zurück, um die Identitätskrisen der persischen Brooklynite Shirin zu erzählen, während eine Trennung von ihrer Freundin sie auf eine selbstbewertende Suche begibt.
Während der gesamten Reise experimentiert sie mit Sex, versucht, sich den liberalen feministischen Erwartungen anzupassen und ringt mit der Entscheidung, ob sie zu ihren Eltern kommen soll oder nicht. Eine Komödie von solch entwaffnender Aufrichtigkeit und menschlicher Genauigkeit zu sehen, bedeutet Hoffnung für die Zukunft sowohl des Genres als auch des amerikanischen Kinos zu gewinnen.
3 35 Shots Of Rum (2008 - Regie Claire Denis)
Claire Denis ist bekannt für ihre filmischen Meditationen über die Auswirkungen des kolonialen Erbes Frankreichs. Sie ist eine der angesehensten lebenden Filmemacherinnen Frankreichs. Wenn man sich 35 Shots Of Rum ansieht, ist es leicht zu verstehen, warum.
Denis folgt dem antillianischen Zugschaffner Lionel und seiner Tochter Joséphine nach der Pubertät, während sie die Zeit genießen, die sie vor ihrem unvermeidlichen Abschied zusammen verbracht haben, und webt aus einfachen alltäglichen Gefühlen und Ereignissen einen außerordentlich reichen Wandteppich menschlichen Lebens.
Jeder Charakter, jede Szene und jede Handlung fühlt sich gleichzeitig vertraut und augenöffnend neu an, als würden Sie das Leben alter Freunde und Familienmitglieder aus der Perspektive eines unsichtbaren Fremden erleben. Sie lernen diese Menschen auf eine Weise kennen und pflegen, die Sie für fiktive Figuren nie für möglich gehalten hätten. Das Kino wird selten großzügiger, komplexer und lebensbejahender.
2 Wanda (1970 - Regie Barbara Loden)
Nach den traditionellen Regeln des filmischen Geschichtenerzählens sollte Wanda ein völliger Misserfolg sein. Es ist ein dünn gezeichnetes, episodisches Porträt einer unglaublich passiven - und fast stummen - Protagonistin, die es zulässt, dass ihr Dinge ohne eigene Initiative passieren, und sich hartnäckig jedem Versuch des Publikums widersetzt, sich mit ihr zu identifizieren.
Indem Regisseurin, Autorin und Star Barbara Loden all diese narrativen Grundlagen auf das Nötigste reduziert, verleiht sie ihrem Charakter eine schmerzhafte Realität, wie sie kein konventioneller realistischer Film hervorbringen könnte.
Als Schauspielerin war Loden der Öffentlichkeit ursprünglich als Ehefrau der berühmten Filmemacherin Elia Kazan bekannt. Wanda war leider ihr einziger Langspielfilm, aber mit diesem einen Film hat sie genauso viel getan, um die Kunst des Filmemachens voranzutreiben, wie ihr Mann mit 21.
1 Wonder Woman (2017 - Regie Patty Jenkins)
Die Leistungen von Wonder Woman verdienen sicherlich eine lobende Erwähnung. Als sowohl der erste DC Extended Universe-Film als auch der erste von Frauen geführte Superheldenfilm überwiegend positive Kritiken erhielten, wurden zwei negative Trends gleichzeitig gebrochen. Als Ursprungsgeschichte gelang es ihm, vertraute Beats zu treffen und gleichzeitig genügend Details zu optimieren, um etwas Neues anzubieten.
In der Tat ist der wichtigste Erfolg von Wonder Woman als Film die Art und Weise, wie sie die mythischen feministischen Wurzeln ihrer Heldin nutzt, um ansonsten konventionelle Erzählmuster wiederzubeleben - insbesondere jene, an denen Steve Trevor beteiligt ist.
Mit Dianas neugierigen Augen, die nicht vom Zynismus befleckt sind, erinnert Patty Jenkins uns an die Bedeutung, die Helden für uns haben, und korrigiert das flache Missverständnis ihrer Vorgänger. Es sind die subtilen Momente im gesamten Film, die den Film so befriedigend machen.
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