Ein klassischer Film neu zu machen ist, als würde man sein Kind zur Adoption freigeben. Sie sollten es nur tun, wenn Sie dringend Geld brauchen, und selbst dann ist es eine Tragödie. Wir hoffen, dass der Sarkasmus hier ebenso selbstverständlich ist wie die Gier der modernen Studios, wenn es darum geht, unsere filmischen Erinnerungen zugunsten des allmächtigen Dollars zu opfern.
Würden Sie auf einen Van Gogh spucken? Faulkner bearbeiten? Tschaikowsky zähmen? Wenn Ihre Antwort alles andere als ein klares "NEIN" ist, dann beten Sie um Vergebung. Denken Sie daran: Die subtilsten Änderungen an Yodas Hautton in der überarbeiteten Star Wars-Kollektion haben George Lucas zu einem Paria gemacht. Lassen Sie dies eine Warnung für Hollywood sein: Sie bleiben aufgrund Ihrer Kreativität relevant und unverzichtbar für Kultur und Politik. Minen Sie diese Ressource weiter und widerstehen Sie der Versuchung, heiligen Boden zu überarbeiten. Es liegt in Ihrem besten Interesse, die wahren Juwelen der Filmgeschichte der Criterion Collection, The Smithsonian und dem US National Film Registry zu überlassen
Wir haben bereits 10 Filme behandelt, die Hollywood unweigerlich neu machen wird, aber hier ist unsere Liste der 10 Filme, die Hollywood niemals neu machen sollte:
Vom Winde verweht (1936)
Die Adaption von Margaret Mitchells Roman von 1936 erforderte ein Maß an Engagement und Grandiosität, das Hollywood noch nie erlebt hatte. In vielerlei Hinsicht wurde Victor Flemings Vom Winde verweht zum Goldstandard für das Filmepos. Der Film von 1939 lässt mit seiner umfassenden Vision des Antebellums im Süden in der ersten Hälfte und der völligen Zerstörung der amerikanischen Kämpfe und der Versuche des Wiederaufbaus in der zweiten Hälfte nichts unversucht. Er hinterlässt einen Eindruck, der schwer zu erschüttern ist.
Vivien Leigh, Clark Gable und Hattie McDaniel lieferten einige der denkwürdigsten Performances ihrer Zeit und füllten den Bildschirm mit starken Kontrasten von Quecksilber-Emotionen, Männlichkeit aus alter Zeit und ironischem Humor. Begleitet von Max Steiners Grundschwung einer Partitur feuerte Gone With the Wind auf alle Zylinder. Könnte es heute neu gemacht werden? Nur dem Namen nach.
8 Casablanca (1942)
Drei Jahre nach dem Erfolg von Gone With the Wind tuckerte das Hollywood-Studiosystem mit seiner kaufmännischen Produktion von Filmen. Sie hatten eine Formel, die funktionierte. Als Casablanca als Adaption des unproduzierten Stücks Everybody Comes to Rick's auf den Hecht kam, wurde es auf die Überholspur der Produktion gebracht, um den Zeitgeist des Zweiten Weltkriegs während der alliierten Invasion in Nordafrika einzufangen.
Die Veröffentlichung des Films erwies sich als brillant zeitlich abgestimmt, und während Casablanca große Einspielergebnisse und eine positive Reaktion der Presse verzeichnete, wurde er bereits nach seinem ersten Debüt in das öffentliche Bewusstsein aufgenommen. Dank eines transzendenten Drehbuchs, das für jede Szene des Films unvergessliche Linien bietet, bleibt das Kriegsdrama von Regisseur Michael Curtiz einer der romantischsten Filme, die jemals gedreht wurden. Humphrey Bogart und Ingrid Bergman versengen den Bildschirm. Die Bilder, die Musik und der Ton sind fast traumhaft, und jedes Mal, wenn Sie Casablanca zu Ende schauen, möchten Sie es erneut spielen.
7 Bürger Kane (1941)
Orson Welles war erst 26 Jahre alt, als er Citizen Kane inszenierte und dem Film eine Reife und Schwere verlieh, die seitdem nur wenige Regisseure erreicht haben. Welles, ein leidenschaftlicher Mann des Theaters, verbrachte seine frühen 20er Jahre trotz Hollywoods finanzieller Fortschritte auf der Bühne. Als seine Thespian-Bemühungen ihn auf Geld angewiesen ließen, flog er nach Los Angeles und unterzeichnete nach einem Rundgang durch die RKO-Studios einen Zwei-Bilder-Vertrag mit seinen Führungskräften.
Sicherlich besaß Welles soziale Anmut der Marke Clooney, als der erstmalige Filmregisseur mit einem hohen Budget, ungezügelter Autonomie beim Drehbuchschreiben und dem Goldstandard der Regiemacht das Recht auf endgültige Kürzung im Schnittraum verlor. Im Wesentlichen vertrauten die brillanten Köpfe von RKO diesem Künstler Mitte der 20er Jahre die Schlüssel zum Königreich.
Oft spielte er im Studio Streiche und arbeitete rund um die Uhr. Er drehte den Film genau so, wie er es sich vorgestellt hatte. Citizen Kane ist nicht nur eine dauerhafte Ikone des Vintage-Hollywood, sondern sollte auch als Beweis dafür angepriesen werden, dass großartige Regisseure die vollständige kreative Kontrolle verdienen. Wenn das Publikum für jeweils zehn abgebrochene Versuche der Größe einen Citizen Kane erhält, schlägt das Glücksspiel "Dictator Director" auf lange Sicht die Studiobürokratie.
Es ist ein wundervolles Leben (1946)
Während Frank Capras berührender Film von 1946 oft als Weihnachtsfilm in Erinnerung bleibt, ist er ein herzzerreißendes Drama in Santa-bekleideten Drag. Selbstmordgedanken, wie sie George Bailey (James Stewart) erlebt, sind keine lachende Angelegenheit. Vielleicht erinnern uns deshalb die besten Momente im Film daran, dass wir tatsächlich ein wundervolles Leben führen.
Es ist die Art von Film, die Sie dazu bringt, Ihre Familie zu umarmen und die Dinge für eine Minute zu verlangsamen. Der verabscheuungswürdige Bösewicht, Mr. Potter (Lionel Barrymore), lässt Ihre Haut mit seiner selbstsüchtigen Grausamkeit kriechen und ist fast ein Aufruf zum Handeln gegen unsere soziale Tendenz zur Gier.
Es ist ein wundervolles Leben, das Momente des Grauens hat, besonders wenn George Bailey sieht, wie das Leben ohne ihn aussehen würde. Capra inszeniert diese Sequenzen mit einer albtraumhaften Qualität, die genauso schnell verfolgt wie die Versöhnungsszenen. Jimmy Stewart kann für diese Aufführung nicht genug Komplimente gemacht werden, und allein aus diesem Grund sollte der Film völlig unantastbar bleiben.
6 Coole Hand Luke (1967)
"Was wir hier haben, ist mangelnde Kommunikation!" So spricht der sadomasochistische Kapitän (Strother Martin) in Cool Hand Luke und zeigt genau den Unterschied zwischen schwachen Männern seinesgleichen und dem unbezwingbaren Geist von Männern wie Lucas „Luke“ Jackson (Paul Newman). Donn Pearce und Frank R. Pierson haben ein luftdichtes Drehbuch geschrieben, das Mr. Newman seine Tour de Force-Leistung auf einem Silbertablett bot.
Cool Hand Luke kann niemals wiederholt werden, da der Film von seinem Hauptdarsteller definiert wird. Diese Art von Schwanzarroganz und tiefsitzender Depression machte den blauäugigen Newman zu einem Paradoxon. Er hat diesen dramatischen Cocktail erst sechs Jahre zuvor in The Hustler getrunken und seitdem sein Handwerk perfektioniert. In dem Film spielt Newman einen mitreißenden Tierarzt aus dem Koreakrieg, der sich an eine Kettenbande klammert, weil er betrunken Parkuhren geköpft hat.
Für Luke sieht es düster aus, aber während er seine Strafe verbüßt, entdeckt er seine Hartnäckigkeit wieder und wird durch eine Reihe von Gerichtsverfahren zum angesehensten Mann im Gefängnis. Es überrascht nicht, dass Cool Hand Luke zu einem der angesehensten Filme der Geschichte wurde.
5 Der Pate (1972)
Wer den Francis Ford Coppola-Klassiker neu macht, wird sicherlich der Antichrist sein. Jeder Versuch, das Corleone-Epos neu zu interpretieren, wäre eine lebende Beleidigung des Kinos, von Brando, Pacino, de Niro, Duvall, Cazale und den unzähligen anderen Künstlern, die Mario Puzos Buch in ein Stück reine Poesie verwandelten.
Wie fängt man an, die Pracht des Klassikers von 1972 zu beschreiben? Der blinde Barde musste Helen von Troja nicht viel beschreiben. Sie war einfach so perfekt. Dem Paten sind unzählige Literaturen gewidmet, und trotz der widerwärtigen Zerlegung des Gangster-Epos durch die Filmwelt werden die Gespräche niemals aufhören.
Themen wie Respekt, Ehre und Familie sind tief in Coppolas Trilogie verankert, und während viele der Corleones Blut an den Händen haben, haben sie sich mit ihrer Leidenschaft und ihrem Eifer für das Leben beim Publikum beliebt gemacht. Die Produktionswerte sind transzendent und die Kontraste zwischen Charakteren wie Michael und Sonny Corleone sorgen für einen wirklich brutzelnden Film.
4 Der Absolvent (1967)
"Frau. Robinson, du versuchst mich zu verführen. Bist du nicht? " Mike Nichols füllt seinen zweiten Film mit genügend phallischen Referenzen und Bildern, um eine R-Bewertung zu rechtfertigen, aber seine gerissene Regie und Klasse haben ein elternfreundliches PG hervorgebracht. Der Absolvent wurde zur Hauptstütze von Nichols und Dustin Hoffmans Karriere, mit dieser Unterströmung von sexueller Unruhe und Identitätskrisen, die die Ära verkörperten.
Sicher, Benjamin Braddock (Hoffman) mit der überaus verführerischen Mrs. Robinson (Anne Bancroft) schlafen zu sehen, erwies sich für die damalige Zeit als kontrovers, aber es gab dem Publikum eine der humorvollsten und packendsten Coming-of-Age-Geschichten, die gedreht wurden. Nichols 'ironische Stöße gegen die Kultur („Kunststoffe“) fanden in den 1960er Jahren statt, als die nuklearamerikanische Familie weit weniger Spaltung hatte als die Atombombe. Sie waren fortschrittlich, makellos und unnachahmlich.
3 Am Wasser (1954)
On the Waterfront basiert auf einer Handvoll 1949 veröffentlichter Artikel, die die Brutalität und die Kämpfe unter den Hafenarbeitern von New Jersey enthüllten und den Film zu einer einmaligen Gelegenheit machten. Der Journalist Malcolm Johnson lieferte das ultimative Ausgangsmaterial für einen Film und gab dem Regisseur Elia Kazan die Art von Rohwaren und Realismus, die er immer zu finden suchte.
Kazan war dafür berüchtigt, Kämpfe und Unsicherheiten an seinen Sets zu provozieren und die Zündschnur anzuzünden, von der er hoffte, dass sie eine Pulverfaß-Explosion sein würde, sobald die Kameras anfingen zu rollen. Terry Malloy (Marlon Brando in einer seiner beständigsten Rollen) repräsentiert den rein amerikanischen Arbeiter, der einen Schuss auf Ruhm hatte und verfehlte und von seinem zweifachen Mob-Boss Johnny Friendly (Lee J. Cobb, dem ultimativen Onscreen) in die Erniedrigung getäuscht wurde Bedrohung).
Letztendlich beleuchtete der Film die Korruption in den Hoboken Docks und gab den Filmbesuchern ein Stück Leben, das sich nie wiederholen lässt.
2 Lawrence von Arabien (1962)
Peter O'Toole ist ein Schwergewicht in der Filmgeschichte, und obwohl er sich der Gunst der Akademie irgendwie entzogen und es nicht geschafft hat, den besten Schauspieler für Lawrence von Arabien zu gewinnen, definierte seine Darstellung von TE Lawrence den Hollywood-Helden. O'Toole ist dünn und mit der Aussprache eines englischen Gelehrten erzogen und verwandelt Lawrence in einen brillanten Cowboy des arabischen Sandes.
David Leans Epos von 1962 zeigt seinen gleichnamigen Charakter als britischer Held, der zum Erfolg von Union Jack auf der Arabischen Halbinsel während des ersten Weltkrieges beitrug. Ein normaler John Wayne war er jedoch nicht, und hier fand O'Toole Platz für seine erstklassigen Schauspielkünste. In dem Film (brillant gedreht von Kameramann Freddie Young) wird TE Lawrence als ein Krieger mit vielen Funktionen gezeigt, der von seinen gewalttätigen und friedlichen Schwankungen in Konflikt geraten ist. Er trägt seine schuldgeplagte PTBS an den Ärmeln in Beduinengewändern, aber im klassischen englischen Stil hindern ihn seine eigenen Sorgen nicht daran, seine Pflicht zu erfüllen.
O'Tooles Lawrence kämpft mit seiner Verantwortung, wird aber nie von ihnen verschluckt. Lawrence of Arabia wurde lange nach der Veröffentlichung von Gone With the Wind produziert und kann zu Recht als Erweiterung von Victor Flemings Epos angesehen werden, das Hollywood das grenzenlose Potenzial des filmischen Geschichtenerzählens zeigt.
1 Ein Uhrwerk Orange (1971)
Ein Kubrick-Film neu zu machen, würde eine unglaubliche Chuzpe erfordern. Wie würde man anfangen, auf die akribisch besondere Herangehensweise des berühmten Regisseurs an das Filmemachen zuzugreifen? Der vielleicht unantastbarste Eintrag in seinem Oeuvre ist A Clockwork Orange, eine echte Reise auf einer geistig instabilen Straße, die eine der sadistischsten Szenen enthält, die jemals für das unschuldige „Singin 'in the Rain“ gedreht wurden. Armer Gene Kelly.
Alex (Malcolm McDowell) führt die in Großbritannien lebende Bande von Cockney-Jugendlichen an, die ihren Weg durch eine zunehmend zerbrochene Gesellschaft vergewaltigt und plündert. Es ist ein verstörender und schockierender Film, der die Augen angreift und gleichzeitig unseren Sinn für Moral und Vernunft in den Bauch schlägt. Wenn es in dem Film ein Bild gibt, das Kubricks Fähigkeiten am besten einfängt, ist es zweifellos die Szene, in der Alex seine Augen mechanisch geöffnet und zwangsernährte Angriffsbilder hat, die sein Gehirn neu verdrahten.
Danke, Stanley.
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Hier hast du es! Welche klassischen Filme sollten Ihrer Meinung nach von einem Hollywood-Remake ausgenommen sein? Lass es uns in den Kommentaren unten wissen!